강의 내용 - 2025 봄학기

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전임 강사 :김정락

서울대 미대(서양화), 독일 프라이부르크대학 미술사학(철학박사)

서울대, 카이스트, 고려대 외 15개 대학에서 강의, 서울여대 및 인천가톨릭대 겸임교수 및 초빙교수, 한국방송통신대학교 (전)교수, 김종영미술관 학예실장, 크라운 제과(사외이사)

저서 및 논문: 미술의 불복종, 코리아 디아스포라 외 12권, 학술논문 21편

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​제 1강. 낭만주의: 혁명시대의 예술

18세기말부터 그 조짐을 보여준 낭만주의(romanticism)는 산업혁명과 정치혁명(프랑스대혁명)의 후유증과 같은 문화의 병리적 현상이라 볼 수 있다. 19세기 중반까지 낭만주의는 고전주의의 후신인 아카데미즘과 함께 유럽 미술의 지배적인 사조였다. 소설(roman)과 의미론적 연관도 있지만, 무엇보다 이성중심주의에 대한 회의와 사회적 혼란상 그리고 미술사적으로 고전주의에 대한 부정적 태도에서 불거진 사조가 낭만주의다. 음악이나 문학사의 전개처럼 미술은 이성보다는 감성에, 합리성보다는 열정이나 파토스에서 예술의 정서를 찾았다. 고전주의에서 낭만주의로 넘어가는 결정적 사건은 나폴레옹의 등장이었고, 그는 영웅에서 공공의 적으로 급변하면서 유럽 사회는 반동과 혁신 사이에서 좌충우돌하게 되었다. 민족주의가 등장하여 문화와 역사의 자주성 등이 여러 분야의 예술에서 드러났고, 이를 통해 근대를 향한 새로운 추진력을 세웠던 시기라고도 할 수 있다.

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2. 사실주의: 유물론적 예술개념의 탄생

사실주의는 19세기 초중반에 등장했던 새로운 세계관과 관련이 있다. 실증주의와 사회주의가 그것이다. 우리에게 실증주의로 번역되는 이 이념은 사실상 유물론에 입각한 철학이자 세계관이었다. 콩트에서 마르크스까지 유물론에 기반 한 (혁명적) 철학은 영국의 경험주의를 토대로 삼아 산업사회가 낳은 사유체계였다. 사실주의의 대표적인 화가 쿠르베가 “천사는 그리지 않는다. 그것을 보지 못했기 때문”이라고 일갈한 것은 바로 이 유물론적 시각 때문이었다. 사실주의가 과거의 자연주의와 다른 점은 자연주의가 없는 것을 사실적으로 그려냈다면, 사실주의는 화가의 눈에 보이는 것만 그렸다는 점이고, 그것에 대한 집중된 시선에서 비롯되었다는 점이다. 나아가 쿠르베는 나는 사실주의자이면서 사회주의자라고 선언했던 것도 의미심장하다.

사실주의의 폭은 넓었다. 같은 시기 영국에서 컨스터블이나 터너가 그랬던 것처럼 프랑스에서는 카미유 코로, 클로드 베르네 등이 나타나 사실적인 전원풍경을 그렸고, 이들은 이후 퐁텐블로 화파와 바르비종 화파에 영향을 미쳤다. 프랑수아 밀레가 해당되는 화가다. 이들은 화거와 달리 전원적 삶의 사실성을 추구했고, 나아가 자연에 대한 면밀한 관찰을 토대로 사실적인 풍경화를 그려냈다.

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3. 아카데미즘과 상징주의(Symbolism)

아카데미즘은 특정한 시기의 사조라 보기 어렵지만, 17세기부터 (왕립)미술학교와 연례적인 국가공모전(살롱전시회)이 출현한 이후 20세기까지 이어온 미술의 제도라 할 수 있다. 시기적으로 그리고 규범에 관한 이념적 추구로 인하여 아카데미즘은 (신)고전주의의 연장선에 있으며, 유럽에서는 적어도 미술의 주도적 위치를 오래 동안 점했다. 특히 자크 루이 다비드에서부터 앵그르에 이르기까지 프랑스의 아카데미즘은 현대미술이 등장하기 전에 막강한 권위와 권력을 행사했다.

그러나 19세기에 아카데미즘은 여러 경쟁적인 사조와 양식으로 인해 도전을 받았다. 첫 도전자는 낭만주의였고, 다음으로는 사실주의였다. 외에도 상징주의가 그 명맥을 이었다. 인상주의가 나타나기 전부터 상징주의 낭만주의의 전통 속에서 정신과 관념의 세계를 탐구하였다. 특징이라면 과거 중세(혹은 고대)로부터 이어온 신비로운 서사를 제재로 삼았고, 초현실주의를 예상하게 만드는 여러 매혹적인 미술세계를 형성하였다. 상징주의는 클림트와 뭉크와 같은 화가들을 만나서 현대성이 농후한 미술사조로 발전하게 되었다.

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4. 인상주의(impressionism)

현대미술의 출발점이 된 19세기 중반부터 시작된 사조다. 프랑스, 특히 파리를 중심으로 확산되었다. 기존 제도적인 미술유파에 대한 저항과 대안적 모색으로 시작된 인상주의는 프랑수아 밀레 등이 포함된 바르비종 화파와 영국의 18세기 초반의 경험주의에 의거한 풍경화에 - 특히 컨스터블과 터너 - 영향 하에서 생겨났다. 선구자는 에두아르 마네이지만, 특정한 리더나 구심점이 없고, 개인적 스타일들의 총합으로서 사조를 형성하였다.

인상주의 회화의 특징은 뚜렷한 붓질 자국, 과감한 원색의 활용, 일상적인 주제 그리고 아틀리에를 벗어난 즉흥적인 작법 등이다. 특히 빛에 대한 민감한 반응과 재현 그리고 대상을 색으로 인지하는 말 그대로의 인상적 수용이 사조가 공유하는 방식이었다. 당대에는 ‘미완성’의 회화라는 비판을 받았지만, 이후 모방적 회화의 해체로 가는 현대회화의 출발점으로서의 의의를 갖추었다. 1874년에 첫 공식적인 전시를 열었고, 이때 비평가였던 루이 르로와(Louis Leroy)가 "인상적이야(impressive)!"라고 외친 언급이 사조의 이름을 결정하게 되었다.

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5. 후기 인상주의: 고흐, 고갱, 세잔, 쇠라 등

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대략 1886년부터 등장했던 신사조로서 후기 인상주의는 이전 인상주의가 추구했던 모방적 양태를 지양하고, 새로운 미적 취향과 개성적 스타일을 구축하려고 하였다. 세잔, 고흐 그리고 고갱으로 대표되는 후기 인상주의는 인상주의가 형성한 토대 위에서 보다 근원적인 원리를 찾으려 노력하였다. 세잔은 근원적인 형태로 소급되는 형상성을 추구했고, 고흐는 물결치는 붓질에서 생동감을 부여하였고, 고갱은 이국적인 풍경과 인물 속에서 새로운 미학을 구축하려고 하였다.

그리하여 후기 인상주의란 범주 아래서 쇠라 등에 이한 점묘파가, 세잔에 의해 초기 입체파가 조짐을 보였고, 고흐는 현대적인 표현주의 미술의 길을 열었으며, 고갱과 루소 등은 원시주의(primitivism)이란 불러왔다. 이 원시주의는 표현주의의 한 지류인 야수파에 직접적인 영향을 미쳤다. 후기 인상주의는 본격적으로 현대미술의 큰 맥락들을 마련해주었던 사조라고 할 수 있다.​

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6. 상징주의: 나비스와 분리파

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인상주의와 후기인상주의가 미술사의 주류를 이루었지만, 19세기에서 20세기로 현대미술을 이어준 매개체는 오히려 상징주의다. 나비스와 분리파는 큰 맥락에서 상징주의에 해당한다. 또한 인상주의가 프랑스에 한정되었다면, 상징주의는 전 유럽적인 차원의 현상이다. 나비스(Nabis: 히브리어로 예언자)도 아카데미 줄리앙(파리) 출신들이 핵심이 된 그룹으로 보나르, 뷔야, 루쎌, 발로통, 세루지에 등을 포함하고 있으며, 알퐁소 무하(체코)도 이들에게 큰 영향을 받아 아르누보 스타일의 대표적인 화가가 되었다. 이들은 현실을 꿈을 꾸는 듯이 부드러운 색감과 평면적인 화면 분할 그리고 파격적인 구도로 재현하였는데, 특히 채색에 있어서 탁월한 역량을 보여주었다. 주제 또한 은유와 상징의 합성물로서 당대의 신비주의나 그노시스의 사상과의 접목도 괄목할 만하다.

독일과 오스트리아 등에서는 분리파가 등장하여 과거의 제도적 전통으로부터 벗어나려는 노력을 보여주었다. 특히 데카당스에 즈음한 화풍들은 사실성을 기반으로 형식적으로는 각자의 표현성을 강조하고, 추상적 형태들을 과감히 도입함으로서 혁신을 추구하였다. 오스트리아의 클림트와 실레의 작품들 그리고 독일에서는 한스 토마와 뵈클린 등이 형성한 신비로운 풍경이나 인물화 등은 프랑스의 낙천성과 대비되는 비애성이 강조되는 상징주의를 보여준다.

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7. 미술관 현장전시투어(국립현대미술관 서울관_한국현대미술 하이라이트/ 론뮤익 /덕수궁관_한국초현실주의와 근대미술)

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8. 입체파(Cubism): 세잔에서 피카소까지

입체파는 1910년대 미술의 전환점을 찍은 매우 의미 있는 사조(운동)이다. 1907년 피카소가 <아비뇽의 여인들>을 전시함으로서 입체파의 원년이자 출발이라고 알려졌지만, 실제로는 브라크가 먼저 시작한 회화 형식이라 정의된다. 입체파는 세잔의 영향을 직접적으로 받아서 대상이 되는 사물과 자연을 입체적으로 파악하고 분석하며, 상응하는 독특한 방식으로 재현한다. 과거 창으로 인식되었던 화면으로서의 회화라는 개념을 해체한 첫 사례라고 한다. 이로서 르네상스 이후로 확고한 원리가 되었던 원근법적 재현을 극복하고 회화의 차원을 재정립한 사조가 되었다.

피카소, 브라크, 레제 호앙 그리 등등이 입체파를 전개했다. 입체파는 콜라주, 몽타주 그리고 아셈블라주 등 다양한 기법을 동반한 다양한 표현방식을 불러왔다. 이로서 회화의 화면은 좀 더 평면적 세계로 가까워졌으며, 동시에 영화의 작법과도 상호작용하였다. 입체파가 마련한 새로운 회화는 이후 오르피즘이나 표현주의 등 회화뿐만 아니라, 바우하우스, 데 스틸 그리고 팝아트와 옵아트 그리고 단색회화 등까지 영향을 미쳤다.

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9.  절대주의-다다-미래주의

20세기 초 미술은 온갖 혁명에 몸부림을 쳤다. 입체파는 그 중에서도 얌전한 편에 속한다. 러시아에서는 절대주의(Suprematism)가, 이탈리아에선 미래주의(Futurism), 프랑스와 스위스(취리히)에선 다다이즘(Dadaism)이 장문의 선언문을 발표하고 혁명에 참전하였다.

절대주의를 표방한 러시안 출신 예술가들은 자신들의 추상을 유물론적 토대 위에서 구축하였다. 그것은 토목공학자나 물리학자들의 그것과 유사하다고 할 수 있었다. 그들은 과거의 모방론에 대항하여 새로운 유토피아를 구축하고 싶었고, 그 시금석은 철저한 이성적 논리와 인공에 대한 확신이었다. 그리고 그 신념은 한 예술가로부터 나왔다. 카지미르 말레비치였다. 그의 추상은 자연과의 결별이고, 신이 창조한 세계에 대한 저항이기도 했다. 나아가 구체제가 만든 예술에 대항하는 것었다.

이런 저항의식은 다다이즘과 미래주의도 공유하는 것이었다. 자동기술법이나 추상적 양태 그리고 미래사회에 대한 구상들은 모두 이런 의식에서 유발된 것이다.

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10. 초현실주의(Surrealism)

초현실주의는 1, 2차 세계대전 사이에 주류를 이루었던 미술사조다. 현대사회는 진보와 발전이라는 긍정적 측면의 반대 면을 바라본 사조가 초현실주의다. 살바도르 달리, 르네 마그리트, 호앙 미로, 막스 에른스트 등등이 여기에 포함되는 사실상 전 유럽적 미술사조였다. 최초는 앙드레 브르통의 선언문을 기초로 이성을 극복하는 새로운 예술세계를 연 것이 초현실주의였다.

초현실주의는 꿈, 무의식 등 이성과 합리적 논리성 저 너머에 도사린 궁극적인 인간의 정서와 욕망을 그려내는 일에 천착하였다. 그러기 위해서 다다이즘이 개발한 자동기술법이나 프로타주와 몽타주 등을 활용하였다. 이와 함께 비논리적 전개와 양가성을 극대화한 이미지를 생산하는 것을 시도하였는데, 이를 통해 현실과 꿈이 동시에 존재하거나, 기존의 형상적 관습이나 관계성을 해체하는 수준에 이르게 되었다. 초현실주의는 오늘날까지 그 영향력을 발휘하고 있다. 실제로 추상과 구상을 가리지 않고 적지 않은 현대미술이 초현실주의의 위험한 유희를 추종하고 있는 것이 현실이다.

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11. 표현주의(Expressionism): 독일과 이탈리아를 중심으로 

표현주의는 따로 유파가 존재하지는 않지만, 현대미술에 있어서 큰 맥락과 축을 형성하는 형식이라 하겠다. 사실상 세잔이나 고흐를 표현주의의 시작으로 보고 있으며, 미국의 추상표현주의나 독일의 신표현주의 미술까지 20세기 말까지도 그 영향을 지속하고 있다. 표현주의는 화법에 있어 거칠고 빠르고 즉흥적인 측면이 강조되고, 색조에서도 강렬한 대비와 원색의 과감한 활용 그리고 내용 면에서도 제도나 문명화 이전의 정서와 본능을 재현하였다. 그리하여 원시주의(primitivism)과의 연계성이 강조된다.

20세기 초에 여러 운동과 유파로 활동을 펼쳤는데, 프랑스에서는 야수파(fauvism)가 독일에서는 다리파(Brücke)와 청기사파(Der blaue Reiter)가 뮌헨과 베를린에서 등장하여 초기 표현주의를 펼쳤다. 외에도 표현주의에 직접적인 연관이 없는 케테 콜비츠나 에밀 놀데, 에드바르드 뭉크 등도 표현주의적인 형식으로 그렸다. 당시 화가들은 사회와 개인의 불안과 부조리 혹은 억눌렸던 감정을 그려냈고, 이들의 형식은 앞으로 추상미술에도 상당한 영향력을 발휘하였다.

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12. 추상미술(abstract art)

추상미술은 현대미술이 전개한 독특한 조형방식이다. 과거 모방 혹은 사생에 근거했던 미술에서 벗어나 순수한 조형원리만으로 미술이 가능하다는 것을 증명한 것이다. 추상적인 표현은 이전에도 존재했다. 장식과 기호 등은 사실상 모두 추상이다. 하지만 독립된 작품으로서의 추상은 현대에 와서 이루어졌다.

추상은 우리에게는 비구상(非具像)이란 이름으로 불리며, 재현이 아닌 심상의 이미지를 형상화한 것으로 본다. 색과 비재현적 형상 그리고 구성(composition)에 집중한 미술은 보다 더 심리적인 자극을 불러왔고, 이를 통해 서사성을 넘어서 원초적인 감정이입에 천착함으로서 근원에 대한 추구를 목적으로 삼았다.

칸딘스키는 최초의 추상미술가이면서, 동시에 추상미술의 원리를 세운 인물이다. 이후 추상을 지향하는 미술은 뜨거운/차가운 추상이란 두 맥락으로 전개되었다. 감정을 중요시한 뜨거운 추상은 이후 앵포르멜이나 추상표현주의로 유파를 형성해 나갔고, 이성적인 양태를 띤 차가운 추상은 바우하우스와 데스틸을 거쳐서 기하학적 추상, 색면추상, 옵아트 등으로 발전하였다.

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